The Hive/El panal

Trienal Poli/gráfica de San Juan
Several venues – San Juan Puerto Rico

By Paco Barragán for ARTPULSE Magazine

The Trienal Poli/gráfica de San Juan de Puerto Rico (The San Juan Polygraphic Triennial) kicked off on April 27 under the umbrella title El Panal/The Hive, with the participation of 150 national and international artists. The budget is $1 million, which is very attractive, especially in these days of economic mayhem. Since the art fair CIRCA PR discontinued, La Trienal is basically the only signature international event in Puerto Rico, where the artistic scene is very vibrant but with a practically nonexistent gallery structure and very weak museum programming.

This edition has been curated by a team led by Deborah Cullen, former director of curatorial programs at El Museo del Barrio; the rest of the members of the curatorial team are Brazilian Antonio Sergio Bessa, Ursula Dávila-Villa from Mexico and Rebeca Noriega from Puerto Rico. The press release stresses the presence in the exhibit of blue-chip artists such as Jackson Pollock, Wifredo Lam, Andy Warhol and Vito Acconci. According to official La Trienal information, “[T]he essentially collaborative practices, especially social networks-real and virtual ones-are where artistic practices and its main protagonists come together.”

I have to admit that the adjective “polygraphic” has always troubled me. Too abstract: it means nothing and all at the same time. It’s a cul de sac, and actually in La Trienal you find everything from books and text-based works to sculpture, installation, murals, video works, painting, and many performances or performative works-in short, everything, be it graphic or not. Traditionally focused on graphic expressions, today it becomes a handicap inasmuch as the curator feels somehow obliged to or biased toward an exhibit showcasing historical references related to the matter. In this case, think of propaganda and publicity especially, as it’s there where graphics have particularly excelled: from Marx’s and Engels’ The Communist Manifesto to Hitler’s Third Reich Deutsche Mark stamps to Soviet artists such as Vladimir Lebedev and Dmitry Moor, and graphic designers such as Saul Bass.

AURA, AUTHORSHIP, AUTHENTICITY

Collaboration as curatorial premise is actually rather fascinating and connects extremely well with our Zeitgeist, exemplified in movements such as 15-M in Spain, Occupy Wall Street, and even The Arab Spring. Nevertheless, we shouldn’t forget the most important element from a historical point of view: the modernist avant-garde never, ever allowed the artist to betray or abandon the dogmas of aura, authorship and authenticity together with the romantic and romanticized idea of the artist as creative genius. Now, and in brief, collaborative practices were at their height during the Renaissance and Baroque period-just think of Rembrandt and Rubens. Even today, many artists have inspired themselves with their working methods: Warhol’s Factory of course, but more contemporary examples are: Jeff Koons’ Studio, Takashi Murakami or Damien Hirst. And throughout the 20th century, many artists have engaged in collaborative practices, including Tristan Tzara, Hugo Ball and Hans Arp with Dada; Duchamp and LHOOQ in 1919; Bauhaus; Tatlin’s Productionists Group, 1920; Black Mountain College; Fluxus; Art and Language; Black Artists Group; Guerrilla Girls; Christo and Jeanne-Claude; Abramović and Ulay; Bob and Roberta Smith; and Atelier Van Lieshout, among others.

Basically, we could say that collaborative practices in the beginning of the 20th century were not necessary, fixed or closed; from the ’50s on, groups or collectives have appeared whose collaboration extended over time with more or less fixed members and with a concept of acknowledged co-authorship.

The problem with the historical part of El Panal/The Hive now is that there is no clear concept. It focuses too much on collaborative practices in printmaking workshops and also on the figure of Robert Blackburn. And this is not really encompassing the idea of collaborative practices nor its history in modern art1.

As such, we find works from Blackburn, Mestre Nosa, Wifredo Lam, Roberto Matta, Jackson Pollock, Charles White, Francisco Mora, Larry Rivers, Andy Warhol, Öyvind Fahlström, Lygia Pape, Raymundo Colares, Vito Acconci, Augusto de Campos, Hélio Oiticica, Ida Appledroog, Liliana Porter, Taller 4 Rojo, Mary Ellen Solt, Corina Kent, Lygia Clark, Cildo Meireles, Marcos Dimas, Tim Rollins & KOS, Luis Camnitzer, Antonio Martorell and many more. Now, the fact that artists went to Mr. Blackburn’s printmaking workshop, Jackson Pollock made some prints and Larry Rivers some lithos is just pushing the idea of collaborative practices too far and turning it thus into something too abstract and hardly representative. Just one example: Even if Vito Acconci’s video Following Piece is great, it would have been more appropriate to showcase one of Abramovíć and Ulay’s pieces; in this same sense I would have loved to see at least some works from the classical Gilbert and George, Anarchitecture and Bernd & Hilla Becher, just to mention a few.

The contemporary part is better at showcasing artistic practices of artists, artists collectives and groups that work or have worked for the occasion on a collaborative level. Think of the Dominican York Proyecto Gráfica, with a set of 12 images by four artists; Miguel Luciano’sPuerto Rican Cotton Picker installation; and Hatuey’s Ramos-Fermín with Oscar Mestey Villamil’s A Post(al) Colonial Correspondence. Two of the outstanding pieces are Tomás Espina’s Caterva, an amazingly big re-creation of a demonstration carried out with gunpowder on paper, and Vargas Suárez-Universal’s site-specific, coffee-wall drawing Outcrop: Distributary Flow, in which he mixes images from Mars with coffee beans from Puerto Rico into a surprisingly otherwordly composition. But although both are stunning pieces of art, we have to be imaginative to find the collaborative angle.

The best project by far is not at La Trienal, but a parallel event, La Casa de los Contrafuertes: espacio de trabajo. Conceived by Puerto Rican artist Charles Júhasz-Alvarado, Contrafuertes is an ongoing interdisciplinary project in which design, music, performance, installation, reading rooms, film, dance and theatre merge in an a imaginative way exploring literally, formally and conceptually the idea of collaborative practices. Guided by the idea of the hive, the upper part of the exhibit showcases a real transparent hive box with real bees that are making honey, constructed by Júhasz and artist and beekeeper Teófilo Torres. The movements and noises of the hive are being transmitted by Fabián Wilkens in his in situ sound studio. The whole building becomes literally a hive in whose chambers different artists-including Ana Rosa Rivera and her sculptural-performative space; Arnaldo Morales’ kinetic sculptures; Dhara Rivera’s hydrographic installation; Teo Freytes’ and Yrsa Dávila’s MSA project; Néstor Barreto’s reading room and the small site-specific installations by Yvelisse Jiménez; Io Carrión; Allora & Calzadilla; Vargas-Suárez Universal; Marielis Castro; Fabián Vélez and Frances Rivera.

Now, I have to admit that this proposal is by far more interesting that the official show, in which we find interesting individual artistic proposals but whose curatorial endeavour never keeps up with what it promises. Although the adjective “collaborative” is pretty new, the practice isn’t, but La Trienal fails to explain how it has changed along the way.

(April 27  – August 28, 2012)

NOTES

1. See this interview with curator Deborah Cullen explaining her idea of La Trienal,

NYFA Immigrant Artist Project Newsletter

Issue 28, September 19, 2011

Mentoring Alumni Corner

 

Hatuey Ramos-Fermin (2008 Mentee, Dominican Republic/Puerto Rico)

“Transmit – Transit is a multimedia installation at “The (S) Files 2011.” One aspect of the piece is a video of interviews with Dominican cab drivers and dispatchers in the Bronx that is a short documentary about the difficulties of the trade. The video is shown in a monitor next to the main piece, which is a cut out roof of a real cab with speakers mounted on top of it. Through the speakers, the installation incorporates live radio transmissions from dispatch offices near the museum. Everything that you hear is actually happening right there at that very moment somewhere in the street outside the walls of the institution. Originally, the piece was exhibited in the Bronx so the frequencies were from dispatch offices there. For “The (S) Files,” I programmed the radio to catch the frequencies of the dispatch offices of taxi drivers near El Museo del Barrio”. – Hatuey Ramos-Fermin

Ramos-Fermin and his mentor, Ricardo Miranda Zúñiga, met several times in the duration of NYFA’s 2008 Mentoring Program for Immigrant Artists. Zúñiga helped Ramos-Fermin build his web portfolio, taught him basic website production skills, and edited Ramos-Fermin’s artist statement. The two of them attended lectures and art openings together. In 2010, Ramos-Fermin had his first solo show at Longwood Art Gallery Project Space in the Bronx. He invited Zúñiga to be the curator for that exhibition. Zúñiga was very involved and contributed an essay to be part of the exhibition catalog.

Here are Ramos-Fermin’s reflections on NYFA’s Mentoring Program for Immigrant Artists:

“Ricardo taught me to get my portfolio organized, to create clear goals and to make my work more accessible for others to see. I really worked on my website, my artistic statement and updated everything (and keep doing it). That helped me to have an online presence to facilitate interaction with other people about my work. It also helped me to get invited to do different projects. Thanks to Ricardo’s guidance, my show in the Bronx was then selected to be part of “The (S) Files.”

“Since I just moved to New York City when I participated, it became instrumental to know other artists and creative people that already knew the city (Mentors) and also to share experiences with people in the same situation as me (Mentees). I established friendships with some mentees of my year and we have collaborated on projects after the program ended. The Mentoring Program helped me navigate the city and make meaningful, long term connections, collaborations and friendships.”

Share, Where?

 

I was involved in this project as the teaching artist! Come and check it out!

Where do you put the stuff that nobody wants but everyone needs?

Join us on Tuesday, September 6 for the debut presentation of Share, Where?, CUP’s most recent Urban Investigation. An intrepid group of Bronx public high school students in the College Now program at Hostos Community College teamed up with CUP to find out how NYC decides where to put the burdensome, smelly, and dangerous facilities that make the city run – but nobody wants in their backyards.

Turns out, there are some guidelines called Fair Share that were made a couple of decades ago to try to spread the burden of noxious facilities more evenly throughout the city. How does it work? Are communities taking on their fair share? How else could the city promote fairness?

To get the scoop on Fair Share, the crew hit the streets and interviewed sanitation workers, environmental justice advocates, an anti-waste facility neighborhood group, policymakers, policy-shakers, and the father of Fair Share. The crew collected their knowledge nuggets into theShare, Where? book. Check it out and find out how Fair Share works now, and how it could work better in the future!

RSVP  here: welcometocup.org

Share, Where? debut presentation
Tuesday, September 6, 7 pm
The Savoy at Hostos Community College
120 East 149 Street (at Walton Avenue), 2nd Floor
Bronx, NY
2/4/5 to 149 St – Grand Concourse

Major support for this project was provided by the CUNY College Now Program. Additional funding was provided by the Bay and Paul Foundations; public funds from the New York City Department of Cultural Affairs in partnership with the City Council; and the Henry Luce Foundation.

Barri-o-rama Hatuey Ramos Fermín

Barri-o-rama Hatuey Ramos Fermín

Por Mariángel Gonzales | 2 Junio 2011
www.elpuntoes.com

El artista plástico puertorriqueño Hatuey Ramos Fermín caminó por todas las calles de El Barrio en la ciudad de Nueva York tomando fotos de cada uno de los sitios donde se puede comprar productos frescos para cocinar en la casa. Esta travesía y documentación son parte de una exhibición que comienza el viernes, 3 de junio en Taller Boricua y lleva por nombre Barri-o-rama.

Barri-o-rama es un colectivo que explora diferentes perspectivas, ideas, imágenes de ‘East Harlem’. Cuenta con la participación de varios artistas como Nayda Collazo-Llorens, Rosalinda González, y Johnny Ramos, entre otros. La idea general de este colectivo es de mostrar la visión de estos artistas en cuanto al reto que se presenta en alimentación saludable en El Barrio.

La pieza de Hatuey, ‘EAsT Harlem’ es un mapa que traza donde las personas del vecindario hacen compras: bodegas, ‘farmer’s markets’, jardines, supermercados, ‘green carts’. El tema de su pieza trabaja el problema que existe con el acceso a verduras e ingredientes frescos en El Barrio.

Los exhorto a que se den la vuelta por El Barrio y pasen por Taller Boricua para la apertura el viernes, 3 de junio de 6-9pm. La exhibición durará hasta el 16 de julio.

Dispatching Art In Real Time

Dispatching Art In Real Time

By Xavier Figueroa Tue, Sep 28, 2010 for Bronx Art Guide (B.A.G.)

Melrose – The Longwood Gallery’s project space always seems to have interesting and thoughtful art pieces to show and this past season was no exception.
On speaking with Fermín, he explained to me his early encounters of using cab services when he arrived in the Bronx. These encounters initiated his idea for Transmit-Transit. In creating this installation, he compiled hours and hours of filming, working with cab bases and getting immersed in the cab culture so intrinsic to the transportation system of the Bronx.
Using a live radio dispatch emanating from speakers atop the roof of a car, Hatuey Ramos Fermín places the viewer inside a virtual passenger’s environment. Along with the partial segment of a vehicle, there are two monitors with headphones where viewers may listen to video interviews of cab drivers talking about their experiences, some in their own native languages. Also on the large wall is a satellite projection of the Bronx with lights displaying locations where cab bases are situated. Although there is no urgency to get to a desired location, one becomes interested in stepping outside of the gallery “box” and taking a walk down the block in order to see the virtual base Fermín created as part of his installation.
This concept of letting the viewer in allows one to hear much more clearly to the transmission and attempt to decipher the melting pot of languages being utilized to help transport locals all over the borough. Also, the top of the vehicle resting in the middle of the gallery presents another interesting feeling for someone to encounter, not as an actual passenger, but more like a fly on the wall listening in on the happenings of the local scene.
With Transmit-Transit, Fermín makes a provocative statement about the economy, its social implications and the virtual documentation of our surrounding environment.

Los taxis de NY que no son amarillos en Diálogo Digital

En este link pueden ver el articulo original Entrevista en Dialogo Digital
Aqui abajo lo copie para ustedes…
que lo disfruten:

March 4, 2010
Por: Dalila Rodríguez Saavedra
De: Diálogo

La vida de un taxista. Cuántas veces alguien se detiene a pensar en la cotidianidad de ese conductor (o conductora) que lo lleva de un sitio a otro. Cómo es su oficio un día cualquiera, el domingo “día familiar” por excelencia. Hombres y mujeres que pasan -a menudo- hasta 18 horas con el trasero entumecido recibiendo direcciones de todos. Del centro de transmisión, de los clientes que cambian de parecer cuando el aparato móvil se lo indica: “No, mejor déjame en la otra calle, perdona…”

El trabajo del artista puertorriqueño Hatuey Ramos Fermín denominado “Transmit-Transit” es una instalación, principalmente sonora, que documenta los servicios de transporte de los neoyorquinos livery cabs – también conocidos como black cars, gipsy cabs, car service, hack, entre otros. Autos que operan con un registro de legalidad un poco distinta a la de los notorios taxis amarillos de la ciudad de Nueva York.

Según el catálogo de la pieza artística – escrito y curado por Ricardo Miranda Zúñiga – si un livery cab recoge a un peatón que lo ha llamado en la calle para que lo lleve a algún destino, ese livery cab se convierte entonces en un gypsy car, ya que deja de operar dentro de su propia licitud. Los livery cabs sólo pueden responder a llamadas telefónicas hechas a través de su oficina. En algunos barrios del Bronx, Queens, Brooklyn y Staten Island estos taxis ofrecen un servicio necesario, muchas veces el único método de transporte colectivo accesible con facilidad.

Los temas de acceso y globalización, pero sobre todo de migración, son el punto de partida de la instalación multimediática que se presentará en Longwood Art Gallery Project Room en el Hostos Community College del Bronx hasta el próximo 7 de mayo de 2010. Varias horas de entrevistas en vídeo (tipo documental) con conductores de taxis, en los que el artista viaja con su equipo, cual periodista investigativo, que entra en contacto con los sujetos, en el “detour” diario entre talleres de reparación autos, cafeterías, gasolineras, entre otros.

El curador Miranda Zúñiga relata que, “mediante la incorporación de las transmisiones radiales en vivo, Ramos Fermín transforma al visitante de la galería de espectador a voyeur, escuchando las órdenes que están siendo transmitidas alrededor de todos nosotros”.

Una breve conversación vía Internet con el artista provee detalles sobre “Transmit Transit”.

Lamentablemente no he podido ver tu obra de un modo “tridimensional”. Por lo leído en el catálogo se hace referencia una obra “cruda”, ¿en qué sentido el espectador percibe esa crudeza?

Cruda en el sentido de que lo que [se] presenta no está digerido por mí y entonces lo presento al espectador sin mediaciones, como lo son las transmisiones de radio.

Es una instalación que nutre su contenido de frecuencias radiales…

Sí, en la instalación hay un radio que recoge las señales que transmiten las bases a los taxistas. En los cinco condados de la ciudad existe este tipo de servicio de transportación. Se llama por teléfono a una base y ellos transmiten por radio a los taxistas (esto aplica a todos los taxis no amarillos) que estén en la zona y ellos reponden a ese llamado buscándote donde estés. En la instalación se escuchan 25 bases diferentes de la zona del Bronx. El audio es la base que dá órdenes a los taxistas y hacia donde se dirigen para recoger al pasajero. La señal está conectada a unos altoparlantes y los espectadores pueden escuchar en vivo lo que está ocurriendo simultáneamente fuera de la galería.

¿La vena periodística te sedujo o era la forma que más se adecuaba a lo que deseabas presentar?

Realmente el tema requería que lo hiciera de esa manera. Había trabajado en el pasado con una organización llamada Center for Urban Pedagogy (CUP), aquí en Nueva York, ellos hacen trabajos educativos donde se investigan elementos de la ciudad. Por ejemplo, un proyecto que hicimos fue investigar los apartamentos ilegales en sótanos de Queens. Se hace mucha investigación a base de entrevistas entonces se crea un proyecto artístico utilizando como base esas conversaciones. El producto final de ese proyecto fue un libro-comic book. Eso influenció este tipo de trabajo más “periodístico”. Lo veo más como “realismo” dentro del mundo del arte.

Imagino que esa comunicación inicial con el sujeto (o sujetos) fue negociada. Háblame de cómo fue tu acercamiento. ¿Te identificabas y les contabas sobre tu propósito?

A muchos de los taxistas que entrevisté los conseguí gracias a dos primos míos. Uno fue taxista por 12 años y el otro lleva 10 años de taxista en el Bronx.

Hubo otras entrevistas que fueron más espontáneas. Por ejemplo, me montaba en un taxi hablaba con el taxista y le explicaba lo que estaba haciendo y le preguntaba si estaba de acuerdo con que le hiciera preguntas y si permitía grabarlo.

En otros casos fui a una cafetería y aunque no me dieron permiso para grabar dentro de la cafeteria esperé a que salieran y así me les acercaba. Muchos rechazaron pero otros dijeron que sí y con esos fue que trabajé. Hay un taxista que participó pero quiso mantener su anonimato, y eso también se respetó en el proceso. La mayoría de los taxistas dentro del Bronx son dominicanos esto para mí fue más fácil en términos del idioma, y para ellos también porque se sienten más cómodos de hablar en español.

¿Cómo fueron las reacciones en términos generales?

Cuando fui a una de las bases me recibieron el presidente y el contable de la compañía. Estaban muy interesados en participar. Se sintieron agradecidos de que alguien quisiera escuchar lo que ellos tienen que decir.

Sabemos que cada cita o ‘sound bite’ “seleccionado” para conformar un texto –es este caso una pieza experimental- es de cierta manera arrebatado de su contexto empírico, ¿cuán frecuente se hace esto en la estructura de la obra?

Tiene que haber una coherencia narrativa de alguna manera, y escogí fragmentos de las conversaciones y creé dos videos cortos donde se habla de varios temas. Desde cómo empezaron a ser taxistas, problemas con la ley, cuán difícil es moverse dentro del Bronx de este a oeste, cuán peligroso es el trabajo, entre muchas otras. La idea es darle el panorama a quien no conozca el tema e introducirlos dentro de la complejidad.

Existe una noción unitaria dentro del conjunto de la obra en la que se presenta al chofer como principal voz narradora o se presentan como conversaciones interpersonales; ya sea entre conductor y entrevistado y/o conductor y cliente…

La mayoría de las veces dentro de los videos los taxistas y dispatchers hablan por sí mismos. Hubo ocaciones donde la conversacion requería que se incorporara al entrevistador, pero fueron las mínimas. Hubo varias conversaciones dentro de los taxis mientras me llevaban de un lugar a otro, hubo otras que fueron en la calle y otras en el interior.

Mi perfil clásico de taxista es un señor callado, que pocas veces interviene conmigo, suelta una frase cualquiera (a veces esperando reacción otras ni le importa) y si tiene que darte una orden lo hace. ¿Cuán distinto dirías que está mi estereotipo de lo que tú presentas en Transmit Transit?

Un taxista me dijo a mi: Yo todo el tiempo estoy escuchando los problemas de las otras personas y a veces trato de darles consejo, pero a mí nunca me habían preguntado acerca de mi vida, de mi trabajo. Eso me pareció interesante ya que muchos taxistas con los que me topé eran sumamente conversadores.

¿Alguna diferencia significativas que hayas notado entre taxistas de zonas aledañas y los livery cabs?

En Manhattan están los taxis amarillos, ellos pueden recoger a las personas en la calle, aunque en Manhattan existen los car services también. En los 4 condados restantes de la ciudad solo existen los livery cabs. Estos, (según la ley) sólo pueden recoger personas que llamaron por telefono a la base. La complejidad del asunto es que por un lado los conductores de los livery cabs tienen la necesidad de recoger a los pasajeros en la calle porque las llamadas no les genera suficiente ingreso. Por otro lado están las personas que, por ejemplo, viven en una zona que el tren no llega y el sistema de guaguas públicas no es tan eficiente, entonces estas personas también tienen la necesidad del taxi. Muchas veces es más fácil que te recojan en la calle a que llames por teléfono.

¿Hay voces de taxistas femeninas?

Desafortunadamente no. Creo que es la única perspectiva que me falta, aunque me parece que este proyecto tiene posibilidades de crecer y definitivamente es algo que tengo en mente. Hay muchas mujeres taxistas pero no son tan fáciles de encontrar. En mi lista de cosas por hacer esa fue la única que no pude completar.

¿Por qué escogiste particularmente a los personajes de estas piezas?

Desde que vivo en el Bronx no había cogido tanto taxi en mi vida. Eso me inquietó y me pregunté, ¿por qué sucede eso aquí? En Istanbul todo el mundo se mueve en taxi pero allá el sistema de transportación pública es otra cosa distinta. Esto me llevó a pensar de qué manera el territorio está diseñado, planificado y construído para darle una prioridad al automóvil. En Puerto Rico pasa lo mismo que en Turquía, en el sentido de que el automóvil es sumamante vital para moverte en la ciudad. El Bronx no es muy distinto tampoco. Hay que mencionar a Robert Moses como uno de los principales propulsores de esta mentalidad, que decidió que el automóvil es quien determina en gran parte el diseño urbano de muchos lugares. Ese modelo fue adoptado por muchos países, y el Bronx fue uno de los primeros lugares donde se puso en práctica.

Por otro lado hace tiempo tenía en mente hacer un trabajo artístico que de alguna manera incorporara elementos que trascendieran el espacio de la galería, y situarlos dentro del mismo lugar.

Un día estaba dentro de un car service y me puse a escuchar la transmisión de su radio, las direcciones, cómo hablan, los códigos que tienen y eso me pareció fascinante. Pensé que ese era el elemento que buscaba y me dediqué desde entonces a escuchar a los taxistas.

¿Cuán voyeur eres?

No me considero voyeur. Aunque sí hay una especie de vouyerismo envuelto en el proyecto. No lo veo como algo negativo sino que abrir conscientemente las posibilidades de los espectadores a la simultaneidad de la calle y el espacio interior de una galería. Fue una idea demasiado fuerte para descartarla.

¿Los livery cabs son tu principal medio de transporte?

No, sólo en algunas ocasiones. El problema es que no son tan económicos como mucha gente piensa. Imagínate que la parada de tren más cercana a tu casa te quede caminando a 20 minutos o más. O que la guagua que pasa cerca da muchas vueltas… Recuerdo una vez que yo tenía que cruzar el Bronx de oeste a este, me tomó una hora con dos guaguas, y yo vivo en un área donde pasan [varios] trenes y guaguas. El problema viene cuando mucha gente que coge los livery cabs lo tienen que hacer por necesidad y se vuelve un círculo donde se mantienen y se necesitan mutuamente los taxistas y las personas de la comunidad. Por lo general [quienes] terminan pagando más dinero son los que menos recursos tienen.

La tarea más difícil es “aprender el lenguaje de la calle” dijo uno de los taxistas entrevistados…

Sí, porque es uno de los trabajos más peligrosos en los Estados Unidos. Mueren más taxistas asesinados en el trabajo que policías y bomberos, por ejemplo. Como te comenté, imagínate que eres un taxista y que recoges a una persona x en la calle, te estás tomando un riesgo porque no sabes si esa persona te quiere asaltar o no. Cuando llamas para pedir un taxi a la base hay un récord que indica a qué hora, qué taxista, qué dirección y hacia dónde va. En la calle solo el taxista sabe.

Review and Interview with Hatuey Ramos Fermin

BY Ricardo Miranda Zúñiga for his blog

Puerto Rican publication, Dialogo Digital ran a review and interview of “Transmit-Transit” Hatuey Ramos Fermin’s first solo show in NYC that I curated. The article presents an in depth interview with Hatuey regarding the development and concepts behind the exhibition currently on exhibit at the Longwood Art Gallery at Hostos in the Bronx.

Hatuey Ramos Fermín’s first solo exhibition in NYC opens tomorrow night at the Longwood Art Gallery at Hostos!  Last fall, Dominican / Puerto Rican artist Hatuey asked me to work with him and to help him realize his first solo show as its curator.  I listened to his concept – an exhibition that investigates the livery cab drivers in the Bronx and was intrigued and agreed to help however I could.  The conversation got started, we shared ideas, he presented to me portions of his interviews with drivers, I gave the best feedback possible and tried to lend some direction in how to translate the video interviews into a gallery installation and Hatuey executed!

The show looks great and presents an intriguing insight into the little considered labor of the livery cab drivers.  I also wrote an essay and designed a small catalog in the form of a full spread newspaper sheet, English on one side, Spanish on the other and featuring a map created by Michael E Jimenez for the exhibition.

The day before the opening, Hatuey and I did a walk through and here are a couple photos taken.

And below is an excerpt from the essay that I wrote for the exhibition:

“Attending to the local, by taking the local seriously” this is the mission of TRANSMIT – TRANSIT.  Ramos Fermín has engaged in deconstructing an element of local space to investigate just one detail of modernity and globalization.  He has not done so as a traditional artist, walking the streets of the Bronx, getting lost in the vernacular of the city to generate creative musings that reflect one person’s vision.  Instead he has worked as an investigative journalist or documentary filmmaker. Ramos Fermín has logged several hours of video interviews with livery cab drivers, he has visited several dispatch offices, diners, gas stations, car repair shops… the local spaces of the drivers.  Over the last several months, he has engaged with the livery cab community to learn of its reality, document it and create an engaging portrayal that is both attentive and serious.  The final outcome of his investigation is a rich installation that attempts to capture the hardship and diversity of the trade.  And the encompassing device of the installation is the live radio feed from cab livery dispatches surrounding the gallery.

By incorporating the live radio dispatch, Ramos Fermín transforms the gallery visitor from art viewer to voyeur, listening in on the orders being transmitted all around us.  Radio transmissions that direct one human being to drive a vehicle to a specific site, pick up a passenger, and drive to a new destination.  It happens at all hours of each day; it is a common reality of the urban space and absolutely nothing exceptional.   And yet it is fascinating to take a moment, listen and consider the wide implications of these transmissions.  By having us listen, Ramos Fermín effectively dislocates our consciousness into a private space – that radio spaces employed between dispatch and drivers – transmissions that we are only privy to when in a cab and even then hardly take note of.  But when these transmissions are re-contextualized within the gallery walls, when we are invited to listen, not as passengers eager to arrive at our destination, but rather as art viewers expecting to engage with creative work, the transmissions gain new depths.   The gallery becomes a portal to an alternate real-time reality – we listen to what others are doing and experiencing at that same moment, but elsewhere, not far, but beyond the gallery’s walls.